Benning en Buenos Aires

Pues ya ves, que Benning fue invitado al BAFICI, en Buenos Aires, y volvió a hacer una presentación como la que realizó en febrero en la Universidad de Navarra, en plan autobiográfico, usando Google y Googlemaps. Lo cuentan en otroscines.com.

“Sección para las víctimas del solapamiento horario” (SVSH) Y en Vyborg

Esta película de Pía Andell me hizo pensar cuántas versiones habrá de cada guerra. Si cada finés hubiera tenido una cámara 8mm durante la Guerra de Invierno, entonces esta película tal vez no sería tan especial. Si los esposos arquitectos no hubieran tenido una 8mm, para nosotros esta guerra no sería tan especial.
La película tiene un toque cálido, uno casi olvida que hubo muertos y ciudades destruidas porque se habla de lo cotidiano: una mujer que le cuenta a su marido sobre el comportamiento de los hijos, las preocupaciones para traer el pan a casa, echar de menos a un ser amado cuando no se sabe si regresará pronto…
Me gustó mucho Y en Vyborg porque verla dejó marcada en mí la experiencia de un amor inagotable en medio de tanta destrucción y odio. Un matrimonio que dio sentido (como personas) a un lapso en la historia del mundo en el que primaba un sinsentido: la guerra. Es curioso cómo el tiempo puede ser tan relativo. Como si el tiempo de la guerra y el de ésta familia hubiesen sido paralelos, sólo se unía a trozos, mediante las cartas entre la señora Mirri y el señor Y.

Proyecto entrevista.

En Interview Project David Lynch nos presenta cuatro testimonios procedentes de personas anónimas. Y se preguntarán: “¿Dónde recae el interés de la obra?” En que apenas transcurrido un minuto ésta se vuelve inquietante y al final de cada entrevista, se manifiesta una gran contradicción.
La primera entrevista la protagoniza una cándida niña que se balancea en el sofá de su cuarto de estar mientras explica cómo ahora que su padre ha muerto, se dedicará durante un año a pasárselo bien. En segundo lugar un anciano rudo, de cara curtida nos cuenta que toda su vida ha estado traumatizado por no haber recibido una educación. Seguido de éste comparece un hombre que después de haber consumido cincuenta gramos de crack y en el momento antes de suicidarse, ve aparecer en la televisión a su cantante favorita, se arrodilla ante ella y se cree salvado. En cuarto lugar nos cuenta su historia una mujer tejana de mediana edad que tras una funesta trayectoria amorosa y una vida llena de flaquezas, se dedica a cuidar una iglesia, pero asegura que siempre estará rota. Por último, nos adentramos en la historia de un habitante de Kansas que pasa el día frente a su casa-barraca y que no ha superado el asesinato de su hijo. “Puedes ser mi mejor amigo, pero no te invitaré a pasar a mi casa”, son las palabras que más repite. Cinco relatos que de alguna forma critican un modo de ver la vida que subyace en la América profunda.

Soldados Anónimos

Soldados Anónimos es el ejemplo de documental prometedor que luego resulta ser un tanto decepcionante. Todos esperábamos ver una historia con reminiscencias de la guerra civil, de familias de desaparecidos, de memoria histórica, al fin y al cabo, incluso de debate. Pero la película se limita a enseñarnos cómo un grupo de arqueólogos excavan una fosa común a orillas del Ebro. Vale, no eran civiles fusilados, que es lo que se suele descubrir en este tipo de excavaciones, sino soldados que murieron en la batalla, lo cual los hace anónimos porque no aparecen en el registro. Y vale también que al final de la película una máquina para trillar remueve todos los restos que se encuentran bajo tierra desbaratando el trabajo de los arqueólogos. Y sí, es algo trágico que hace desaparecer una parte de nuestra historia. Pero lo considero lo suficientemente importante como para que ocupe algo más que el último minuto de metraje. Eso era lo interesante, no veinticinco minutos de brochas y espátulas apartando milímetros de tierra. Y alguna que otra oveja.

Los herederos

Cestas de frutas que hacen de cunas de bebes, cubos que hacen de silletas, pies que hacen de hormigoneras, y niños que hacen de adultos. El director mexicano Eugenio Polgovsky hace con Los herederos un retrato filmado de los niños trabajadores de México.

Tras una sugerente nana traducida al inglés sobre un fondo negro, que será de las pocas palabras que escuchemos, la película comienza y nos mete de lleno en la realidad de estos niños mexicanos. La cámara se mueve como un crío más entre los matojos y todo lo que oímos son pisadas, jadeos y el movimiento de los hierbajos. Para cuando nos queremos dar cuenta el documental nos mece con esa nana y nos trasporta a México. Y el autor, con siete historias entrelazadas nos lleva a las vidas de estos niños en las que encontramos un triste nexo en común: la pobreza.

Durante noventa minutos de silencio el director parece querer decirnos “ahí os dejo estas imágenes, ahora vosotros espectadores, interpretad lo que queráis”.

EL TRÁNSITO

Elías León Siminiani dirige 'El tránsito', cuarto capítulo de una serie de cortometrajes bajo un mismo marco formal que titula “Conceptos clave del mundo moderno”. Esta colección que comenzó hace ya 12 años y al que se adscriben “La oficina”, “El permiso”, “Digital”, y por último, “El tránsito”, es una reflexión personal sobre algunos aspectos del mundo en el que vivimos, que de alguna manera nos condicionan. Son pequeños ensayos, de ahí que siempre vayan acompañados de la palabra.

En este último trabajo Siminiani pone su mirada en el desplazamiento en la hora punta del ciudadano moderno, a lo que denomina “transito”, casi como parte de un complot para aumentar el rendimiento de una sociedad que vive exclusivamente para producir y continuar produciendo.

El humor, la ironía, no sólo en la palabra, también del texto contra la imagen, ayudan a este director a dejar claro que no pretende hablar de verdades absolutas, sino de una visión personal, de cómo le afectan a él estos hábitos de la vida moderna. Pero, tras observar esos pequeños detalles en los que apenas reparamos en nuestra vida cotidiana, uno ve en esta reflexión un reflejo personal y dice “ostras, es verdad”.

Tom, Tom, the piper's son, Ken Jacobs

Los espectadores quedaron advertidos de lo “dura” que podía resultar la experiencia del visionado de “TOM, TOM ,THE PIPER’S SON / TOM, TOM, EL HIJO DEL GAITERO”, de Ken Jacobs, y en ese sentido fue indudable que quedaron recompensados, excepto las seis o siete personas que abandonaron la sala.

En este film el director experimental de la escuela americana más underground, Ken Jacobs, revisita una película de 1905, “Tom Tom, the piper’s son”, que es una comedia “prehistórica” de ocho minutos sobre una alocada persecución, y la lleva a la más pura abstracción a través de una minuciosa disección. Hora y media de planos alejados completamente de la comprensión del espectador que espera con ansiedad el cambio en la mirada que se le había anunciado. La idea es la siguiente: ver la película original al principio, después una amalgama de “estropicios”-esto no son palabras mías- de Ken Jacobs y, finalmente, volver a ver la original desde una visión supuestamente nueva. No dudo, de que esto fuera así, pero considero que fue, más bien, fruto de la ansiedad que producen dos horas en una sala a oscuras viendo una película completamente muda e “invisible” a los ojos de cualquier persona no especializada.

Un consejo: alejarse de la obligación del entendimiento forzado y dejar que los sentidos se desentiendan, perdón por la redundancia. No obstante, “Tom Tom, the piper’s son” es un film sólo apto para Valientes –y, sí, valientes va con mayúsculas.

Ben Rivers is in the house!

THIS IS MY LAND
-This is my land, this is my land! -grita un hombre con barbas largas al lado de un vertedero de materia orgánica.
-¿De qué nos hablas, viejo? -nos preguntamos sin que él nos vea.
El barbón está muy flaco, ocupa su tiempo en pensar sobre la descomposición de la materia orgánica. Estamos en su casa: bichos vivos y muertos, el césped más alto que hemos visto y explotación de palomas para producir abono de rosas.

ASTIKA
Un piromaniaco cuyo nombre, Astika, significa "sí". Tambièn visitamos su casa en medio de la nada. Por cierto, Astika es un verdadero peligro para su hogar por aquello de su obsesiòn con el fuego.

AH LIBERTY!
¿Qué nos une a los demás?, ¿por qué vivimos en sociedad?
Ah liberty! es la ganadora del Tiger award al mejor cortometraje en el Festival de Rotterdam .
Se trata de unos niños que viven en una casa retirada de la ciudad, al lado de un deshuesadero de coches, su patio de recreo. No sabemos nada sobre sus padres. Pero la hija mayor repite la frase de un libro que está leyendo "Liberty is the absence of ideas". Aunque maybe for their parents, liberty is just the absence of neighbours.
No comparto, pero acepto el discurso gracias a la presencia de un nuevo personaje que se hace visible por primera vez en los documentales de Rivers: la lente. De pronto empieza a llover y la bolex nos lava la mirada con las gotas.
Esta lluvia marca una distancia entre nuestro mundo y el de esos niños. Es una ventana para ver sus vidas y entrar en su mundo con protección.

THE ORIGIN OF SPECIES
Mr. S. vive en medio de la nada en una cabaña que, tal vez, construyó él mismo. Su obsesión es saber cómo se creó el mundo, cómo evolucionan las especies y cuál es el origen. Su vida de ermitaño se debe a ser incomprendido y a su deseo de observar más de cerca la naturaleza.

LA TESIS DE RIVERS: El mundo es difícil y hostil. Hay gente que no lo soporta y decide aislarse.
¿CÓMO SERÁ LA CASA DE RIVERS? Me la imagino llena de cintas y fotografías de casas ajenas.
¿POR QUÉ CASAS? Es una limitación física que Rivers se impone a sí mismo para no salirse del tema, igual que su bolex. Pero la casa es más que un método de trabajo. Es un lugar al que volver, lo familiar, lo propio, nuestra cueva, nuestro palacio, donde somos nosotros por completo. La casa es un núcleo, de donde salimos y a donde llegamos.

Arrowhead

Un día Peter Lynch se encontró una punta de flecha muy antigua. Tenía 4 años, y se la encontró en Toronto (su ciudad natal). Ahora que es director de cine, Peter Lynch dice que ese descubrimiento le cambió la vida y ayudó a que su vida como artista adquiriera mayor sentido. Fue para él como "un faro, ayudando a crear mi propia mitología".

Considero que conocer este hecho es vital para entender una de las primeras películas de Peter Lynch, Arrowhead, rodada en 1994. En el cortometraje una reportera (que no aparece en pantalla) graba a Ray Bud explicando como descubrió unos de los restos fósiles más completos de la historia (una muestra más de las obsesiones arqueológico-cinematográficas de Peter Lynch). Para hacerlo, acude a la casa donde vivía entonces y al lugar donde hizo el descubrimiento, puesto que...

I was told by an archaeologist that an artifact only has true archaeological significance if you know where you found it.

El corto tiene un estilo humorístico debido a la personalidad simpática, extrovertida y alocada de Ray Bud. Considero que la actuación de Don McKellar es genial, no supe que la historia era ficticia hasta que, en los créditos, se explicitó que toda relación con la realidad era pura casualidad (a pesar de que luego, en el coloquio, Peter Lynch dijo que la forma de vivir de Ray Bud está basada en su propia vida cuando era más joven).

Aquí podemos ver un extracto del corto, colgado por el propio Peter Lynch:
Arrowhead Clip

ROCK HUDSON’S HOME MOVIES

El 2 de octubre de 1985 el actor Rock Hudson muere en California de SIDA. Tristemente, la popularidad de este hecho, por aquel entonces más que escandaloso, ha causado que su memoria quede reducida a las innumerables elucubraciones de la cara oculta de su vida.
Un galán, masculino y viril a ojos de la gran pantalla a quien el director, Mark Rappaport, construye una falsa autobiografía llena de ironía y humor. A través de un repaso a la filmografía del actor, el director del documental "Rock Hudson's homes movies" descubre pequeños indicios de la homosexualidad de éste en varias escenas de sus películas más míticas. Un diálogo directo con el espectador al que introduce con cierto desdén en el mundo "hollywoodiano" de Hudson desentrañando los entresijos de una superficialidad frágil y fuertemente protegida por una industria en la que hombres como Roch Hudson sobrevivían gracias a su innegable apariencia de apasionados seductores.
Un ensayo cinematográfico estilísticamente cuidado y agradablemente divertido.

Sobre RR

Ja, ja. ¿108 vagones? ¿En serio?
Acabo de salir de ver el segundo pase de Casting a Glance. En la entrada se podían coger unas hojas con el artículo Los números y el cine escrito por Manuel Yáñez Murillo a raíz de su visita al festival. Habla fundamentalmente sobre el cine de James Benning, aunque también de la película de Sharon Lockhart, Lunch Break. ¿Alguien la vio y puede decirnos algo?

También he encontrado la lista completa de las 43 localizaciones de RR. Un film denso y extenuante que, entre otras muchas cosas, tiene la capacidad de poner a prueba al espectador. En One Way Woogie Boogie/27 Years Later los planos duran un minuto. En El Valley Centro, dos y medio. Y en Ten Skies, diez minutos. Por contraste, en RR los planos duran lo que tarda el tren en pasar. Esta ruptura con un pauta, este no saber cuándo termina supone un desafío en ocasiones lleno de humor. Mañana a las 5:30 podréis comprobarlo.

PD: en principio esto iba a ser un comentario al post anterior, porque no quería hacer una crítica de la película sino simplemente facilitaros los enlaces. Pero este parece que es el único modo de hacerlo.

¿Qué tiene que ver James Benning con TCA?

Tras estos días enfrentado a la obra de Benning, he ido cayendo poco a poco en por qué Benning es interesante y sobre todo tan singular. O qué quiere decir eso de que es un cineasta del paisaje.
Decía B. Henderson que no es posible la pausa descriptiva en el cine. Porque la imagen ya de por sí describe y eso lleva a que un filme narrativo no se "pare" a describir, sino que muestre a los personajes en su entorno. Pues bien, el cine de Benning desmiente eso, porque es básicamente descriptivo. No cuenta historias, no construye argumentaciones sobre una estructura causal. Construye paisajes en cine.
Siempre hemos asociado el género paisajístico a la pintura y a la fotografía. Pero Benning lo lleva transplantando al cine desde hace años, con un rigor y un método que hacen a su obra única. Cada plano cobra en su cine un valor singular, como si fuera un cuadro o una fotografía... Pero no lo es. Y ahí está Benning reinvitando el paisaje en el cine. Sus encuadres suelen ser planos fijos, con una lente corta, pero con una duración larga, que permite comtemplar ese "paisaje". La misma duración permite desplegar objetos en movimiento -un tractor, una persona, un tren- que introducen ese movimiento propio del cine, pero siempre dentro del plano. Y luego está el paisaje sonoro, que en muchas ocasiones desde el fuera de campo cobra importancia fundamental.
¿Que valor da al montaje entonces? Lo cuida también con detalle, como nos contó en su encuentro en la Universidad de Navarra. Pero no es una fuente de conflicto ni de continuidad narrativa. Es más bien ese instrumento que ordena los planos, como haría el galerista en una exposición fotográfica, bueno, con más mimo, porque sabe que la propia secuencia adquiere un sentido al ser proyectada en continuidad.
Al final lo que te ofrece son paisajes para contemplar. Algunos espectaculares en su belleza compositiva, en su ritmo interno. Otros más cotidianos. Pero para disfrutarlos hay que olvidar el cine como habitualmente lo entendemos, hay que pararse en cada plano.
Es verdad que no todas sus películas son tan así, pero todas son bastante así. Desde luego las que más me interesaron dentro del ciclo de Punto de Vista son muy así: Casting a Glance, El Valley Centro, o RR.
Esta última, RR, si os atrevéis, todavía la podéis ver mañana jueves a las 5,30 en Saide Carlos III. Eso sí, preparaos para 43 planos de trenes -en total dos horas- cuya duración depende sencillamente de lo que tarda en entrar y salir de plano el tren. Que puede ser bastante si tiene 108 vagones, por ejemplo.